Manuel Gómez-Moreno, tres joyas del arte contemporáneo

                   Manuel Gómez-Moreno fue un pintor y arqueólogo español, profesor de la Escuela de Artes y Oficios y catedrático de la Escuela de Bellas Artes de Granada; presidente del Patronato de la Alhambra y del de la Capilla Real, considerado padre de los museos Arqueológico y del deBellas Artes de Granada.

Como pintor reprodujo en muchos de sus primeros cuadros la vida íntima de la clase media y artesana, valiéndole un lienzo de esta clase la medalla de oro de la Exposición Granadina de 1876. Obteniendo por ello una pensión de la Diputación para formarse en Roma, desde donde envió dos grandes cuadros, «La salida de la familia de Boabdil de la Alhambra» y «San Juan de Dios librando a los pobres del incendio del Hospital Real», cuadro este premiado con una segunda medalla en la Exposición Nacional de 1881.

Pintó también bastantes cuadros religiosos de martirios y apariciones, como el que sirve de titular en la iglesia del Sagrado Corazón de Madrid.

            No obstante comienzo hablando de él para pasar a centrarme en la exposición que podemos contemplar actualmente.

En la exposición de este artista podemos contemplar un total de 74 obras y varias piezas de material documental.
La exposición tiene lugar en el Palacio de los Condes de Gabia.
La figura de Manuel Gómez-Moreno González, goza de un reconocimiento indiscutible en los ámbitos de la pintura y la historiografía españolas del siglo XIX. Considerado el mejor pintor decimonónico granadino.

Como pintor, sigue las pautas del  Romanticismo tardío al que fue incorporando un progresivo naturalismo. Es increíble cómo con su trabajo se puede comparar e igualar a los maestros de su tiempo.

         A primera vista, tendemos a catalogar su trabajo en el paquete de los santos tradicionales que no nos aportan nada, sin embargo, he de comentar su riqueza de la obra que recae en la técnica. Son de esos cuadros enormes que te incitan a acercarte uno a uno para fijarte en todos los detalles. Pinta no con una pincelada relamida, sino que tiene la facultad de poner más carga del material en aquellas zonas que quiere acentuar, y por otro lado, pinta de una manera más delicada aquellas que por otro lado quiere mostrar más delicadez, como por ejemplo los rostros de los personajes que aparecen.

No obstante, en su obra nos da una lección magistral del dominio de la técnica artística y de la figura humana, pocos saben plasmar tan bien algo con una pincelada fresca, y que no aburra.

Gregor Schneider

Gregor Schneider (nacido el 5 de abril de 1969, en Rheydt ) es un artista alemán, cuya principal área de trabajo se construye habitaciones. En 2001, fue galardonado con el León de Oro en la Bienal de Venecia  por su infame trabajo Totes Haus ur expuesta en el Pabellón de Alemania.

Schneider estudió desde 1989 hasta 1992 en varias academias de arte alemanes, entre ellos: la Kunstakademie Düsseldorf (Academia de Arte de Düsseldorf). De 1999 a 2003, se desempeñó como profesor invitado / actividades educativas en las escuelas de arte varias, incluyendo: De Ateliers, en Ámsterdam, la Academia de Bellas Artes de Hamburgo y en la Real Academia Danesa de Bellas Artes de Copenhague. Gregor Schneider ha sido nominado como profesor de escultura en la Universidad de Arte de Berlín en 2009.

A la edad de 16 años, Schneider tuvo su primera exposición individual titulada, Pubertäre Verstimmung, en la galería de Kontrast en Mönchengladbach . Desde el comienzo de la década de 1990 ha trabajado con los cuartos en galerías y museos. Concibe las habitaciones, como tridimensionales, esculturas que se puede caminar a través, que muchas veces ocultan o modificar los existentes y la galería-museo habitaciones, las habitaciones con las que trabaja son las salas existentes que encuentra en distintas viviendas o edificios domésticos. En 1985 comenzó el desmontaje y la reconstrucción de las habitaciones en un edificio de apartamentos en Rheydt, que tituló, Haus ur.

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Tras ver el video en clase, y ya habiendo puesto una breve información del artista, creo conveniente centrarme en ciertos aspectos que he recibido tras visualizar el cortometraje.

Todo el video gira en torno a su obra La Casa Muerta, una obra en la cual utiliza pintura orgánica al aceite para pintar las paredes.

La obra la realiza en su propia casa, llevando 20 años realizando mejoras, en ella hace combinaciones entre un piso abandonado y escenas de un muerto.

Se trata de un artista muy siniestro, tanto en personalidad como en su obra, y veíamos como confesaba lo siguiente:

“ No me asustan las habitaciones, sino la gente”.

Schneider da importancia a los rincones, nos dice que cuanto más trabajamos la textura más cambia.

En su trabajo aparecen muchos agujeros, puesto que es algo muy recurrente en la escultura, se me ocurre ahora mismo mencionar a Henry Moore, el maestro de los huecos y el vacío.

                Fue curioso cómo en el video se veía al entrevistador preguntarle que por qué era valiosa la habitación para él, con lo que Gregor contestó:

“ No hay por qué explicarlo todo”.

Las habitaciones que Gregor interviene se encuentran aisladas en casas de la posguerra, parecen decorados de terror.

Viendo su obra es inevitable preguntarnos si el artista sufre algún trauma infantil, se trata de una batalla entre renovación y decadencia.

Schneider fue un niño prodigio, con 16 años se retrataba gritando y más tarde se pasaría a la performance. Él vivía en una ciudad del centro de Alemania, la cual estaba habitada por hileras de casas idénticas, hecho que podría ser decisivo en relación a su intervención en habitaciones.

                El estilo de Gregor no encaja con nada ni nadie del arte contemporáneo, se trata de una identidad muy individualista.

Sin embargo volvemos a preguntarnos qué le ocurrió de pequeños, la idea de tirarse al vacío dice que es la idea más sencilla de ocultarse detrás de un objeto en una habitación.

La idea de su obra La casa Muerta, era que el visitante entrara en ella y no saliera nunca.

La obra se volvía más siniestra según nos íbamos acercando al sótano, era curioso que solo dejara entrar a los espectadores para ver su obra después del anochecer, probablemente para acentuar el sentimiento de lo siniestro.

La explicación del porqué del constante cambio de la obra dentro de su misma casa estaba en un principio bastante práctico y coherente la verdad, confiesa que no disponía de ninguna galería ni ningún museo para hacerlo, de ahí que empezara a utilizar su casa .

En una de sus habitaciones el artista parece exponer una obra conjunta con otra artista, Annelore Reuen, sin embargo se ha descubierto que esta artista no existe, sino que es él mismo firmando la obra como Reuen, aquí juega con el simulacro, inventándose una artista que más tarde aparece muerta.

A este loco artista le interesa la calidad de los materiales de construcción, lo que realmente Gregor intentaba hacer era reflejar los momentos de la posguerra Alemana, no reflejar un aparente trauma que parece tener, y que realmente no existe.

Su arte tiende a lo histórico, cada habitación parece contarnos una historia que nadie va a escuchar.

Schneider juega con la memoria y el dolor, por eso se interesa por esos espacios que han tenido existencia:

" Cosas que estuvieron y que ya no están".

Espacios que producen buenas y malas energías, y en relación a ésto, mencionar la elección del material de trabajo, puesto que el artista trabajaba con plomo, material que parece absorber las malas energías.

Gregor Scheider considera que todo objeto puede convertirse en obra artística, la no facilidad  provoca la creatividad.

Es cierto, como comentábamos en clase, que si hubiese tenido una galería para exponer, se hubiera ceñido a esas limitaciones, sin embargo, no siendo así, se obliga a innovar.

Ante la negación de la cosa, uno se vuelve creativo.

¿ QUÉ ESTÁ PASANDO?

Creo que llega el momento de replantearme las cosas. Me tomo esto no como un solo proyecto de pintura, sino como un medio de representar lo que creo en unos tiempos como son los que corren ahora. Para mí, 2012 es igual a crisis y cáncer. Y hablo desde una concepción personal, y la cual creo que es inevitable, todos partimos de lo que somos y creemos.

Vivir entre personas que te rodean, y a las cuales quieres, y ver como sus únicas preocupaciones es tener el qué llevarse a la boca, y oir: “ Toñi, que no tengo ni para comer”, esto en 2012 es muy duro. Y ya si lo acompañamos del par de sílabas que parecen no despegarse de mi entorno, da como resultado un 2012 realmente delicioso.

                 Antonio, Miguel, Ramona, Isidoro, María, Dioni, Luis… son solo algunos de los nombres que en menos de un mes, he visto escritos en diferentes lápidas. ¿ Qué narices está pasando con el mundo?

Además creo y quiero echarle la culpa de muchas cosas al sistema, el mismo que está realizando recortes brutales, y el cual creo que no va a descansar hasta privatizar la educación y sanidad, señores y señoras, estamos volviendo atrás, ahora solo los ricos se salvarán de las enfermedades y solo ellos podrán estudiar.

Y es todo esto lo que me ha llevado a escoger como tema de mi proyecto la crisis, y más concretamente el 2012, pues como ya he dicho para mí se define como la C al cuadrado, (crisis y cáncer).

"ESTA MIERDA NO ES DEMOCRACIA" 

Confieso pues, que no paro de darle vueltas a cómo expresar lo que quiero en mi proyecto, lo que sí tengo claro es partir de tres soportes que respetan la estructura y color de lo que es la bandera de España, es decir, un tríptico compuesto por dos bastidores montados en tela roja y la central algo más grande en amarillo.

Así pues, sigo investigando y haciendo pequeñas maquetas para probar con la técnica, transferencias, acuarelas, pintura, lápices….Y es en estos soportes donde pretendo proyectar imágenes significativas que nos hagan  pensar. Para ello sigo manipulando imágenes en photoshop, así como en bocetos a lápiz.

Bocetos digitales:

Maquetas: 

Insisto en que no se trata nada más que pruebas a priori y maquetas, pues considero que tras la tutoría con el profesor tendré más claro cómo enfocar mi proyecto.

Dejo pues imágenes de las primeras pruebas.

Creo que los recortes están afectando a todas las áreas, educación, sanidad, trabajo....de ahí que hasta la Gioconda lo note, a la pobre le han cortado el pelo, esto no es más que una ironía que simboliza los días en los que vivimos.

Sigo jugando con la idea en la maqueta, sin miedos, sin quedare con la duda de qué pasará si pongo esto aquí. Por eso mi insistencia en hacer primeramente pruebas en la maqueta.

He de añadir que las dimensiones del tamaño real del proyecto serán de 1, 65 x  1, 20 cm aproximadamente, siendo las de la maqueta de 70 x 80 cms aprox.

Finalmente, sigo trabajando en la maqueta, puesto que está en la fase inicial,  haciendo pruebas, e investigando en el mejor medio para expresar lo que quiero.

Planteándome el cómo denominar la obra, puesto que considero esencial ponerle nombre a ella, decidí llamarla 2012, sin embargo, tras pensarlo mejor, me di cuenta que verdaderamente esa sería la firma del proyecto, al fin y al cabo es el que está haciendo que esto suceda.

Expongo a continuación, algunas de las imágenes que estoy interviniendo con motivo de resaltar aquellos significados que pretendo mostrar.

PROPUESTA FINAL:

Tras varios comederos de cabeza, y después de la tutoria con Emilio, decido pues hacer un proyecto en donde se jueguen con ciertos aspectos tradicionales traídos a nuestra época. Hablo del concepto del MARCO, el cual ha sido relevante en toda la historia tradicional, y el cual voy a usar para colgar en él la realidad de nuestros días actuales.
Así pues, voy a abrir los límites de mi proyecto a otras dimensiones, y voy a sacar lo que en principio iba a proyectar con transparencias sobre la superficie de la tela,  fuera de ella, siguiendo el consejo del profesor, y presentando así las imágenes que ya he manipulado sobre un marco real que se saldrá de los tres bastidores que simulan la bandera.
Finalmente, utilizaré la bandera que he realizado, como pantalla que proyectará una serie de cortometrajes que he editado, siendo a partir de esta, de España, la que nos presenta el panorama.

_VERDADES_

ESTUDIOS ANATÓMICOS 

Grafito sobre cartulina 50 x 70 cms.

 Grafito y lápices de colores sobre cartulina 50 x 70 cms.

  Grafito y lápices de colores sobre cartulina 100 x 70 cms.

                                       Grafito y lápices de colores sobre cartulina 50 x 70 cms.

CONFERENCIA SOBRE EL DISEÑO Y EL ARTE

21/05/2012

               Después de estar presente en la conferencia que se dio en el salón de grados de la Facultad de Bellas Artes, en relación al diseño, así como su correlación con el arte puedo comenzar hablando de ciertos conceptos que se sacaron a la luz.

Se empezó hablando de que el arte le da al objeto su función, el arte lo nombra y lo identifica, se trata pues de una función utilitarista.

“ Si una olla no está pintada, aunque más tarde en el fuego se pierda el color, no es una olla”.

Fue un ejemplo que uno de los personajes ilustres comentó en voz alta para destacar esa función utilitarista de la que se estaba hablando.

Sin embargo, esta función a partir de la modernidad se está perdiendo, estamos en un momento en el que identificar qué es arte y qué es diseño es imposible.

¿ El arte participa del diseño? Ahora estos caminos se bifurcan.

Y estamos llegando a una situación de una demanda brutal del diseño, tanto que se están barajando las posibilidades de crear un grado como Diseño.

Sinceramente creo que vivimos en un mundo del diseño. Ahora todo está diseñado, y no solo me refiero al diseño artístico, pues considero que estas dos palabras no pueden separarse, también hablo del diseño de la vida diaria.

Si echamos la vista atrás, la palabra Diseño, significaba dibujo, así pues, ¿ En qué momento ha dejado de significar esto para pasar a ser el Desing inglés?

 En este hecho contribuyó la 2º Guerra Mundial con el trabajo de Tomás Maldonado, que es conocido por su considerable influencia en el pensamiento y la práctica del diseño en la segunda mitad del siglo XX y es considerado como uno de los principales teóricos del llamado enfoque científico del diseño. Fue miembro fundador del Movimiento de Arte Concreto y uno de los protagonistas de la renovación plástica de la década de los 40 en la Argentina.

Sin embargo, el concepto de diseño como científico excluye cualquier factor estético. El arte ha sido siempre opuesto a las metodologías, al arte académico se le ha criticado, por ser excesivamente normativo, por decir dónde se encontraba exactamente el éxito.

                -  Miguel Ángel Milá, artista plástico, diseñador y gestor cultural, con una trayectoria profesional basta, destacando el logotipo de la uCLM o la imagen Gráfica del Ayuntamiento de Ciudad Real, nos presenta una propuesta partiendo de que el diseño y el arte es inseparable.
 

¿ ES UN MUEBLE, O ES ARTE?

Miguel Ángel nos habla de su propuesta, y nos dice que:

-  “ El diseño  se define como una actividad de “estrategia proyectual”, como un nuevo paradigma para un nuevo contexto económico y social post-industrial.”

Miguel aboga, por lo que yo personalmente también creo, una unión entre el diseño y el arte, pues el uno sin el otro no pueden concebirse.

Aunque, creo que este conflicto surge en base a estas dos teorías:

- El arte concebido por goce del artista, como expresión sentimental, sin ningún propósito.

- El diseñador pensado como trabajador, se limita a desarrollar el encargo, crea algo funcional

Sin embargo me pregunto, ¿realmente el diseñador al diseñar una estantería no está haciendo arte? ¿ Dónde está el límite que lo separe? ¿ Cuándo el objeto deja de ser un mueble para ser una obra de arte?

BBAA.

¿ Qué puede significar cientos de botellas de cristal vacías colocadas cada una de ellas estratégicamente formando círculos concéntricos?

Me podría comer la cabeza con mil historias para dar una trascendencia y significado a lo que he visto, pero estamos en el siglo XXI, y ahora el arte no es eso, es lo que es y punto, del mismo modo que ya Duchamp con sus ready made abogaba por lo mismo, su urinario era un báter, sin más.
Así que, no quiero vender la moto, simplemente quiero disfrutar estéticamente de lo que veo.

CONCHA ROMEU

SIGUIENDO EL HILO_._.._..__.._....._._._....  ........  ..    ...........

“Todas las obras de esta exposición están hechas a partir de sábanas de algodón usadas; sábanas que han sido pensadas, cosidas, bordadas, lavadas, planchadas y guardadas cuidadosamente en armarios por mujeres de otra época. Sábanas como símbolo de hogar, intimidad, seguridad, reposo, estabilidad. 

Mujeres, sábanas…

Usadas, desgastadas, desgarradas, desechadas, llevan la impronta de los seres que las han vivido. En ocasiones se tiñen de negro, se inundan de sangre, sangre que invade las imágenes (en la prensa, en la televisión), que irrumpe en lo cotidiano y lo transforma. 

La sangre se lava, se oculta, se ignora o por el contrario se exhibe a modo de bandera. 

Este trabajo quiere se un homenaje a los protagonistas involuntarios de esas noticias, los olvidados. 

Contar sus historias, mostrar las heridas: rostros similares, sangre compartida. “

CONCHA ROMEU

Estas son las palabras de la autora de la exposición que podemos actualmente contemplar en el Salón de actos de la Facultad de Bellas Artes.

Confiesa la artista que con esta obra pretende sacar a flote a aquellos que han quedado en el olvido, sin embargo toda la exposición tiene un componente femenino brutal, los hilos, las sábanas que como ella misma nos dice, han sido ejecutadas por mujeres de época.

Creo que se trata de la labor de una verdadera artista, siendo este aquel que expresa lo que siente, lo que cree, lo que necesita, a través de su obra.

En la exposición encontramos una serie de retratos muy particulares, todos ellos son de hermanos, y el parentesco es obvio puesto que en todos los casos se trata de gemelos.

Aquí encuentro una paradoja, se trata de retratos de dos personas que funcionan como espejo, es decir, físicamente, que es lo que se nos muestra en la fotografía a nosotros, es lo mismo que ellos verían al mirar al otro. Su reflejo.

Este juego del color, de la composición, de la luz, y sobre todo la importancia del fondo, es increíble, verdaderamente las fotos cobran vida, y ganan un dinamismo enorme considero que por la monotonía del fondo, nuevamente nos muestra cosas iguales, que se repiten,

Pero no obstante, siendo esta la parte final de la exposición, la carga social la ocupa la primera parte, donde encontramos las obras que dan nombre a esta exposición, hechas todas ellas con hilos.

La delicadeza de la obra, la artesanía, la fragilidad, tanto que se nos obliga a usar guantes para poder tocar la obra, nos aleja por otro lado de ella, sin embargo esos retratos escondidos debajo de esos hilos nos hacen pensar.

_Se ruega usar el corazón para crear las obras_

GUILLERMO PÉREZ VILLALTA_ Viajes de GULLIVER

“ Amar el presente, no significa el olvido de lo pasado y vivido”.

Se trata de un artista poseedor de un estilo característico e identificador, el cual expone su obra en La Madraza, Granada.

A este pintor se le etiqueta como uno de los principales protagonistas del movimiento de La Nueva Figuración madrileña, que integran entre otros, Chema Cobo, Alcolea, Carlos Franco o Luis Gordillo.

Se escribe que la obra de Villalta hay influencias manieristas, surrealistas, neoclásicas, neomodernas, barrocas….pero sin embargo al recoger de tantas fuentes, se considera que todas las etiquetas se le quedan pequeñas. No obstante se considera una obra personal y característica, hecho que todo artista considero que busca, todos queremos tener nuestra propia identidad, y que se nos reconozca de la misma manera que sabemos lo que es un Picasso o un Dalí. Es el propio artista el que confiesa en dos palabras lo que le lleva a realizar su producción, son las siguientes “ belleza y placer”.

“ Soy materialista, siento en la belleza y el goce profundo de los sentidos y el pensamiento”.

Sin embargo este placer no es permanente, afirma pues que la soledad le acompaña  a veces en este recorrido hacia la búsqueda del placer.

                En esta exposición que se encuentra en La Madraza, contemplamos la serie completa de las ilustraciones que Guillermo, realizó en 2005, para ilustrar una de las narraciones más  conocidas del público: “ Los viajes de Guilliver”, de Jonathan Swift, publicada originalmente en 1726. A través de la obra encontramos una sátira social del género humano, de la irracionalidad a la que conducen los extremos de la razón.

Considero que es de admirar tratar magistralmente una ilustración infantil, teniendo como trasfondo y contenido un tema tan serio.

En relación con la exposición, destaco “Artista viendo un libro de arte” y, otra, “ Hombre dibujando”, estas dos obras nos llevan a la realidad del propio artista, en su constante búsqueda, así como el momento de la acción.

En el lienzo “ Hombre dibujando”, hallamos la figura dibujando en el centro de la composición, en el que el autor realiza un homenaje a Theo van Doesburg, utilizando uno de sus cuadros para el fondo del mismo. No obstante, la magia de este cuadro considero que recae sobre la perspectiva axonométrica con la que está hecha, así como la introducción de la figura humana dentro de ella, permitiéndonos contemplar por ejemplo esa posición casi imposible de la cabeza. Según el propio artista, el orientalismo de este cuadro es simbólico: “…Aunque el ambiente pretende ser extremo-oriental, éste es mucho más Stilj…La racional construcción tiene que ver con el propio racionamiento antes del acto de dibujar”.

En el lienzo encontramos su espacio cotidiano, y un juego incesante de perspectivas invertidas.

No obstante, en la exposición encontramos un segundo cuadro de gran formato, " Artista viendo un libro de arte", donde nos vuelve a mostrar un juego de perspectivas y donde considero que nos da un escarmiento magistral sobre la pintura, fue increíble contemplar ciertas zonas del lienzo, sobre todo las flores de la izquierda.

Guillermo afirma que detrás de toda su obra hay una profunda meditación y un estudio riguroso, tanto que confiesa que el borrador actúa tanto como el lápiz. Esto es la magia del oficio, que nunca se puede para, que siempre hay mil opciones más con las que resolver en problema en cuestión, y cuando crees haber obtenido el mejor resultado, te das cuenta que encuentras mil posibilidades más. Pero creo que esta es la magia del arte, que no hay nada escrito ni sentado.

“ No sé si el amante del arte se nace o se hace. Sólo sé que desde mi más tierna infancia me gustan las cosas bellas”, y el goce de lo bello supone la finalidad de la creación artística.

Finalmente, el recorrido de la exposición termina con un trabajo ilustrativo de acuarela. El pintor confiesa que siente predilección por esta técnica, pues cree que es una buena actividad para la melancolía.

En todas las acuarelas, encontramos elementos compositivos centrales como la figura humana, el paisaje y el ornamento.

Las ilustraciones de mapas encabezan las 4 partes en las que está dispuesta la historia.

Otras ilustraciones en acuarela:

Encontramos pues, bastantes trabajos en acuarelas, siendo un trabajo ilustrativo magistral, pero sin embargo, me atrae mucho más sus dos pinturas, me parecen más auténticas, más personales, con más carga. No obstante, considero que verdaderamente el trabajo de Villalta es merecedor de ser expuesto en un centro como La Madraza.