Sobre ARTHUR DANTO y el FIN DEL ARTE:

Arthur C. Danto , filósofo de los años 80 que, partiendo de las tesis de Hegel sobre la dialéctica del Espíritu en la historia, certificaba el fin del arte. Según este, el concepto de arte no había emergido en la conciencia en general hasta 1.400 d.C, manteniendo que todo lo artístico elaborado con anterioridad, no se podía considerar arte, sino representaciones artísticas.

Danto apunta a que el carácter histórico del concepto de arte haría posible que se diese una era después del fin del arte. No se trataría de una “muerte del arte”, puesto que considera que se puede seguir haciendo representaciones artísticas, solo que estas ya no pueden formar parte de la historia del arte. A juicio de Danto, estamos en una época posthistórica, en el que las grandes narrativas ya no son posibles porque el concepto mismo de historia en el que arte se movió ha desaparecido del mundo del arte.

                Más tarde, Danto encuentra una analogía entre el desarrollo del arte y de la filosofía, influenciado por las observaciones de C. Greenberg sobre el arte moderno y posmoderno. Danto expresa que el comienzo de la filosofía moderna se da a partir de Descartes con su famosa regresión al yo pienso. El filósofo,  opina de ello, que lo que Descartes hizo fue comenzar a traer las estructuras del pensamiento a la conciencia, donde podemos analizarlas críticamente y así comenzar a comprender qué somos y cómo es el mundo.

Más adelante, nos dice que en el campo del arte se percibe una época premoderna en la cual los pintores se dedicaban a la representación del mundo, pintando personas, paisajes y eventos históricos tal como se presentaban al ojo humano y una época moderna donde las condiciones de la representación se tornan centrales y el arte se vuelve, como la filosofía, sobre su propio tema. Por tanto, razona Danto, “no es de extrañar que  Greenberg argumentase que la esencia de la modernidad descansaba en el uso de los métodos característicos de una disciplina para autocriticarse, no para subvertirse sino para establecer ser más firmemente en su área de competencia”.

Danto dice: “El modernismo está marcado por el ascenso a un nuevo nivel de conciencia, reflejada en la pintura como un tipo de discontinuidad, prácticamente como si enfatizar la representación mimética se hubiera vuelto menos importante que otro tipo de reflexión sobre los sentidos y los métodos de representación” . Por ello, Danto prefiere considerar a Van Gogh y a Gauguin como los primeros modernistas en pintura.

Para Danto, de la misma manera que “moderno” no es simplemente un concepto temporal que significa “lo más reciente”, tampoco “contemporáneo” es meramente un término temporal que significa cualquier cosa que tenga lugar en el presente.

Sin embargo, hay una evolución notable en el hecho de que en el arte conceptual, no necesariamente debe haber un objeto visual palpable para que algo sea una obra de arte. Esto significa que ya no se podría enseñar el significado del arte a través de ejemplos. Cualquier cosa podría ser una obra de arte y su fuera necesario realizar una investigación sobre qué es el arte, sería necesario realizar un giro desde la experiencia sensible hacia el pensamiento, esto es, que debe realizarse un giro hacia la filosofía.

Danto influenciado por el artista Joseph Kosuth, considera que la única tarea del artista de nuestro tiempo <<era investigar la naturaleza del mismo arte >> , <<El arte nos invita a la contemplación reflexiva, pero no con el fin de producir nuevamente arte, sino para conocer científicamente lo que es el arte >>.

Más tarde, llegamos al fin del modernismo debido a la formulación de la pregunta de qué ocurriría con el arte después de su ascenso a reflexión filosófica.

Así pues, recapitulando, para Danto todo lo anterior al 1.400 d.C no fue admirado estéticamente. Las imágenes no eran concebidas como arte, puesto que el concepto de arte propiamente dicho, solo entró a formar parte con la modernidad, época que consideraba como la etapa de los manifiestos, señalando que la contribución fundamental de la edad de los manifiestos fue la introducción de la filosofía en el corazón de la producción artística. Aceptar el arte como arte significó aceptar la filosofía que lo legitimó.

Pero el verdadero descubrimiento filosófico es para Danto que no hay un arte más verdadero que otro y que el arte no debe ser de una sola manera: todo arte es igualmente e indiferentemente arte.

Danto se formula lo siguiente, ¿qué hace la diferencia entre una obra de arte y algo que no es una obra de arte cuando no hay una diferencia perceptual interesante entre ellos?. Estas preguntas sólo pudieron plantearse en el momento posthistórico del arte en que se produjo una gran autoconciencia del arte. Sin embargo, esto mismo, apunta que tuvo dos consecuencias:

1.       Primera, que el arte ya no cargaba con la responsabilidad de su propia definición filosófica. Esto era tarea de los filósofos del arte.

2.       Segundo, que de ningún modo las obras de arte necesitan parecerlo, dado que una definición filosófica del arte debe ser compatible con cualquier tipo de arte. La historia del arte no tiene ya una dirección que tomar sino infinitas posibilidades. El arte puede ser lo que quieran los artistas y los patrocinadores.

“Declarar que el arte ha llegado a un fin significa que el tipo de crítica basada en el manifiesto y en la reinterpretación de toda una gran narrativa a partir de una nueva concepción verdadera del arte ya no es lícita”.

§  El museo y la práctica artística en la época posthistórica

En el estado posthistórico ya no es necesaria la existencia de un objeto magistral para que exista el arte y si bien hay objetos en las galerías pueden parecerse a cualquier cosa.

“ Y, sin embargo, como acertadamente señala Danto, el museo mismo es solamente una parte de la infraestructura del arte que va a tener que vincularse tarde o temprano con el fin del arte y con el arte después del fin del arte. El artista, la galería, las prácticas de la historia del arte, y la disciplina de estética filosófica, deben, en su conjunto, tanto en uno como en otro sentido, dar un camino y tornarse diferentes, quizá muy diferentes de lo que han sido desde hace mucho tiempo. Sólo así será posible que el arte desborde los estrechos límites del museo y de las galerías, penetre en la materia de nuestras vidas y transforme y perfeccione la realidad del mundo.”

----------------------------------------------------------------------------------------------------------------

Después de leer y resumir el texto, tengo la necesidad de añadir algo, ¿ Qué es una obra de arte? ¿ Qué hace que algo deje de ser una mierda para pasar a ser arte?.  Estamos en una realidad artística, en la que solo el tener un nombre reconocido, justifica que la producción artística de alguien sea valorada, y ojo, indudablemente solo hay un Ingres, y solo un Picasso, y por supuesto, algo hicieron para tener un nombre. Sin embargo, creo que hay miles de artistas mediocres escondidos en sus talleres alquilados, y los cuales no son conocidos, entonces, ¿ hacen estos mismos arte?, ¿ se puede hacer arte, sin que nadie lo vea, o necesariamente todo lo artístico tiene que estar situado en un museo o una galería? Además, son los críticos, los que dicen esto lo compro, porque es arte, y esto en el momento justo que lo rechazo, deja de ser arte para ser mierda.  Es en esa línea límite donde se valora el arte o no.

Además, estamos en un mundo en donde la subjetividad es la protagonista, lo que para mi es una maravilla, para ti puede no serla. Entonces me pregunto, ¿ en base a qué los queridos críticos juzgan lo que puede o no estar en un museo?.