MADRID, 1987.

 Dirección: David Trueba.

 Intérpretes: José Sacristán, María Valverde, Eduardo Antuña, Ramón Fontseré.

 Género: Drama. España, 2011.

 Duración: 102 minutos.

“ Los cuadros tienen que estar manchados, la literatura es igual…

Toda esa gente que protege su creación de la materia viva está equivocada, solo las manchas tienen interés, y las cicatrices….

Siempre me han dado mucha envidia los pintores, porque ellos no necesitan las palabras…

¿ Pero si usas bien las palabras?

Pero no huelen, no se tocan, por eso son odiosos los museos, no te dejan tocar, y los cuadros ya no huelen….Lo hermoso hubiera sido poder oler Las Meninas recién pintadas. ¿No?

Los buenos pintores, encuentran, dan con la forma que está al servicio de una idea, la literatura pelea por contar con palabras lo que no se dice con palabras, le ponen nombre a las emociones como un científico a las enfermedades.

…Conocer a alguien a quien se admira es como dar el primer paso para dejar de admirarle. Solo se puede admirar a los cuerpos y a los muertos…lo de dentro está sucio, podrido, sin barrer, mejor no entrar…

…En el mejor teatro cómico, se da mucho el argumento del viejo en busca de la carne fresca, siempre inalcanzable. Esta situación ridícula da mucha risa, pero desvela que la distancia entre la locura y el equilibrio se reduce al tamaño de un pelo de la cabeza…entonces la risa, se vuelve terror, miedo de que pueda sucederte algo parecido.”

Dos personas (José Sacristán y María Valverde) se quedan encerradas en un baño, una situación que da pie a un enfrentamiento de distintas generaciones. Ella forma parte de las personas que se encontraron en los ochenta con una democracia ya consolidada, mientras que él, forma parte de los que ya se encontraban ahí, que venían de conseguirlo todo y que estaban muy felices de haberse conocido.

 A ratos ridículamente emocionante, Madrid 1987 es una crónica sobre el paso del tiempo y el traspaso de la rabia ante su fugacidad. Es un intelectual y desnudo (literalmente) pulso entre maestro y alumna, a veces receptivo y a veces diálogo para sordos.

            De repente te das cuenta que una simple película te puede decir, "tranquilo, reacciona", con un bajo presupuesto y un ambiente muy íntimo, la carga del largometraje está en un diálogo maravillosamente bien escrito, por no decir, que mejor aún interpretado.
Este film es una lección al buen cine, un película que apenas tiene un solo escenario, da un escarmiento a todas estas producciones del 3D, a veces menos es más, y cuando algo es bueno, no necesita de nada más.

                                    

                                                  " Una valiente película, Si Señor”

Siguiendo otros caminos...

PROYECTO DE PINTURA III

1.      Temática:

En relación a este apartado, he de añadir que me he limitado a plasmar lo que actualmente está ocurriendo, y es que la crisis da para largo, recortes, y más recortes, parecen levantarnos cada mañana de la cama.

Por eso me decidí por esta temática, ¿ qué mejor que esto ?, si total, parece estar ya todo inventado artísticamente, por eso, mi pretensión es no reivindicar lo que está pasando, sino simplemente, hacer de la crisis la protagonista de mi proyecto, jugando de un modo irónico con todos los elementos artísticos con los que cuento.

2.      Conceptos claves:

-  EL MARCO

De diversas formas, colores y materiales, más de cien marcos sirven para contar su evolución historia como complemento, y no como subordinado de la pintura.

Más que un simple envoltorio, el marco de un cuadro es una obra de arte, sin él la pintura que acoge no sería la misma.

Esta concepción parte de la Alta Edad Media, cuando lienzo y marco formaban una pieza única, esculpida en un trozo de madera.

En los siglos XVII y XVIII con el interés de la  burguesía europea por la decoración, el marco se hace más sofisticado, se incorporan materiales más exóticos traídos desde Asia, como el marfil o el terciopelo.

El Barroco, es la época de esplendor de los marcos, que se vuelven más lujosos para reflejar el estatus económico de sus propietarios. Pero a partir de 1800, disminuye la importancia del marco como elemento independiente, las galerías de arte y los museos, comienzan a usar un modelo estándar para todas las pinturas.

Así pues, he utilizado esta concepción del marco, para proyectarlo a mi trabajo, pues propongo varias imágenes sujetas a este objeto, concretamente, la Gioconda con el pelo rapado, un cuerpo humano hecho pedazos y la imagen de España recortada, con esto pretendo mostrar un juego de comparaciones irónicas, pues a otro lado presento con ya un marco actual, a modo de parejas,  el mechón de pelo que le cortara a la obra de Leonardo, las tijeras con las que hemos devorado al cuerpo, y las tiritas con las que intentaremos reconstruir el país.

Tan solo un juego irónico, que como ya he dicho gira en torno a la temática de la crisis, pero que sin embargo, deja abierta la posibilidad de reinterpretar el mensaje, siendo justo esto lo que pretendo.

                - Costura / Recortes

Ese contenido irónico, lo he conservado también a la hora de ejecutar el proyecto, pues se compone de tres grandes bastidores, dos con tela roja, y uno central con amarilla, representando la bandera de España, y en el cual, he fijado imágenes,  las cuales en un principio iban a ser a base de transferencias, pero más tarde opté con el collage, pues así la imagen se visualizaría mucho mejor.

Como ya digo, a base de collage pongo fotografías en la bandera, sujetas a la misma gracias a costuras, sí, están cosidas a la tela, justamente lo que la imagen representa, el proceso lo contradice, pues vemos una crucifixión de un cuerpo humano en unas tijeras. “ Nos meten tijeretazos desde que nos levantamos”.

“Justo por eso, he querido COSER la imagen a España “.

      - PANTALLA

Otro factor de importancia en mi proyecto es el de la Pantalla, pues utilizaré estos bastidores como pantalla de cine, a través de lo cual nos va a permitir ver una serie de imágenes y videos, que conforman un cortometraje que estará proyectado en la bandera, pues España es la pantalla de lo que estamos viendo.

Vídeo:

http://www.youtube.com/watch?v=X-gH5zjNAoY&feature=youtu.be

-   FIRMA:

El absoluto protagonista es la crisis, España, hoy, el 2012, de ahí que firme este mismo año, al fin y al cabo, es él el que ha hecho todo esto.

3.      Presentación del proyecto/ Instalación:

     Para presentar el proyecto, debido a sus dimensiones, es necesario de una sala amplia, y en la cual, presentaré en una parte el trabajo presencial de clase, siendo 3 cuadros al óleo de desnudos, y por otro lado, el proyecto personal, que repito, se basa en la crisis.

Para ello, he decidido transportar el icono de los recortes a la propia sala, rellenándola de la línea característica de la zona por donde se debe cortar, la cual atraviesa todo el espacio, intentando desarrollar una linea visual, es decir, que el recorte nos guíe en la sala, con un orden, pasando por todo los aspectos que considero importantes, y sobre todo, actuando como una instalación, pues mi finalidad era activar el espacio.

Así pues, recalco la importancia de la pantalla que he querido crear en la bandera, pues como ya he dicho, pretendo sacar de ella la película que estamos viviendo.

Se trata de una serie de imágenes, fotografías, titulares, y cortometrajes, que últimamente invaden las redes sociales y la televisión, pues no es para menos, así que yo me las he llevado directamente a mi Bandera.

Pues este es mi proyecto, Dos mil Doce.

TRABAJOS PRESENCIALES DEL SEGUNDO CUATRIMESTRE: PINTURA III

Muestro esta comparación para ver claramente mi evolución en el cuatrimestre, como ya he dicho anteriormente, he partido del primero, que me lo tomé como una interpretación libre, al segundo, en donde ya tuve más en cuenta ciertos aspectos anatómicos así como tonales, hasta llegar al tercero, en el cual he conseguido un mayor acercamiento a lo que veía.

TERCER TRABAJO PRESENCIAL DE CLASE

Pintura al natural del modelo

Técnica: Óleo

Soporte: DM de madera de 100 x 70 cms.

Proceso:

1. Dibujo y encaje de la figura: grafito sobre DM imprimado en tono ocre ( lo cual hace que dificulte la visión en las fotografías)
2. Mancha: partiendo por asentar las figura en el soporte con las zonas más oscuras.
3. Seguir manchando la figura, yendo de lo general a lo particular.
4. Intentar plasmar detalles.

He de añadir, que personalmente encuentro una línea evolutiva en mis trabajos, pues considero que he avanzado notablemente, en lo que se refiere a la figura del natural, desde el comienzo del cuatrimestre hasta ahora. No obstante, aún me cuesta algunos conceptos como las tonalidades de la piel, teniendo en cuenta ahora ciertos aspectos, que antes ni se me pasaban por la mente, como son las zonas por donde pasan las venas, las posiciones de los músculos, la tonalidad de la cara frente al resto del cuerpo...

Aún así, estoy contenta, creo que he aprendido y avanzado un peldaño más.

Maurizio Cattelan

Hablamos de uno de los artistas más influyentes de la actualidad.. Nacido en Padua, Italia, en 1960, vive y trabaja en Nueva York. Si tuviera que definir  a Cattelan, no sabría que palabra utilizar, puesto que si analizamos su trabajo  se  tratan de esculturas, aunque verdaderamente un creador de imágenes.

Su obra es irónica y crítica, con la sociedad y sobre todo con el mundo del arte contemporáneo, aunque considero que en muchos casos la pretensión del artista es la provocación, ya que emplea elementos realmente duros, aunque por otro lado considero que juega en dos bandos, puesto que  su trabajo actúa de un modo muy poético, parecen poemas visuales.

 Estamos ante un artista de los que, para bien o para mal, no deja indiferente a nadie. Ha habido mucha polémica en torno a su figura, concretamente en torno a algunos de sus trabajos, como pasó con la obra  de Juan Pablo II tirado por un meteorito,  ¿qué se esconde detrás de esta provocación?.

"La Nona Ora", 1999.

¿Se trata de una crítica al cristianismo?, él mismo se confiesa católico al 100%, entonces, ¿ qué  ha querido plasmar en esta obra?.

Him. 2001

Aquí el artista ridiculiza la figura de Hitler, tratado como una caricatura, al cual condena a pedir perdón de rodillas eternamente por sus atrocidades, se trata de la maldad dentro del corazón de la inocencia.

                       Charlie no hace surf.

En el video vemos como el entrevistador se las ingenia para hablar con el artista, puesto que este se niega terminantemente a acceder a ser entrevistado, así pues, es gracias a un niño, vestido del mismo modo que esta obra, por el cual nos cuenta que esta obra es un recuerdo de cuando era niño, de sus años de estudiante. Se trata de un niño clavado a la mesa por dos lápices, no es más que una crítica al opresivo colegio católico.

Es habitual encontrar obras de Cattelan en la que aparecen animales, así pues, se trata de la debilidad de la humanidad y el poder que tiene el arte sobre nosotros.

La obra de Maurizio Cattelan, que combina escultura y performance, destaca por su ironía e inteligencia e, indudablemente, por su transgresora posición frente al espectador. Pero, ¿ es arte o provocación?

Cattelan es un provocador, y tiene la habilidad de poder poner a las personas en posturas extrañas.

Sus obras son como trabajos para niños, mientras que otras son de un fuerte contenido político. Él con su trabajo se burla de sí mismo, así como también del arte.

En la obra “Estrategias”, arremete sobre el arte moderno, ¿ Se puede abstraer cualquier objeto y convertirlo en mi obra de arte?, en relación a esta pregunta se me ocurre mencionar la lata de Mierda de artista, ¿ cuando la lata pasa de ser una simple lata a ser obra de arte?, y en el caso de que la abriésemos, ¿ dejaría ya de serlo?

Cattelan ¿ odia el mundo del arte?. Él depende del arte, y se muestra crítico en un mundo que está totalmente inverso.

Tiene la capacidad de transformar fantasía en realidad, aunque confiesa que el arte no es gracioso, y que cuando él hace algo gracioso la gente no sabe definirlo.

Finalmente, lo más irónico es la confesión de que sus ideas parecen distintas, pero que  siempre son las mismas, no creo que muchos artistas sean capaces de decir eso de sí mismos, no obstante, estoy ante un personaje que parece lanzarnos concepciones mucho más ricas y serias de una manera oculta, nos dice mucho, aunque él no quiera dejarlo claro, y eso a mi juicio, es lo verdaderamente artístico de su obra, aunque he de mencionar la majestuosidad con la que trabaja los cuerpos en cera, pareciendo personas reales, aunque,  en el video aparece su equipo de trabajo que es el que realmente le ejecuta la obra, estoy nuevamente ante una obra en la que la mano del artista desaparece, su huella está solo en la idea, ¿ debe eso desmerecer su trabajo?.

JEFF KOONS

“ Artista estadounidense, uno de los autores vivos más cotizados y también más polémicos. Con los años sus creaciones, inicialmente kitsch, han derivado hacia el monumentalismo, como en el caso de Puppy, el perro gigante que preside la entrada del Museo Guggenheim Bilbao.”

Nos encontamos ante un artista que confiesa tener dos lados, el poético, que le viene de tradición materna, y otro artístico, por el lado paterno.

El primer contacto con el arte, precisamente se lo debe a su padre, pues este era decorador de interiores.

Su trabajo es muy peculiar, y los materiales mucho más, pues recurre a veces al chocolate como medio artístico, confesando que le recuerda a las heces, relacionándolo con los excrementos.

Osos de Invierno

Koons nos dice que con esta obra tan solo quería transmitir el amor a los demás, y ayudarles a que encuentren su felicidad.

Por otro lado en su obra Pantera Rosa, rompe con lo anterior para intentar transmitir el sentimiento de culpa por masturbarse, se trata de la culpa y la vergüenza en nuestra cultura. Además utiliza como material la porcelana, un material muy sugerente de sexualidad.

Jeff Koons ha sido tachado como un artista pornográfico, sin embargo a mi juicio él va mucho más allá, tiene la capacidad de reflejar en su obra exactamente lo que nos quiere contar, lo acabamos de ver en las dos obras anteriores, pasa de mostrarnos la dulzura y sensibilidad, a la vergüenza de masturbarse. Koons confiesa que cuando termina de producir su obra se encuentra cerca de la locura.

Es relevante el hecho de su mujer, Jeff se enamora perdidamente de su mujer, pero ella acaba abandonándolo y marchándose con su hija, es entonces cuando el artista empieza a meter sus experiencias personales en su obra, de ahí que haga obras relacionadas con la eternidad, con envejecer juntos. 

Para él su obra siempre parte de aceptar nuestro pasado, por eso sigue incluyendo a su mujer.

Sin embargo, tras la separación, su esposa lo acusa como artista pornográfico, y elimina y destruye toda su obra, es entonces cuando el artista empieza a pensar que ya no es capaz de hacer un mundo mejor.

Con respecto a la huida con su hijo, Koons como padre, hace un obra para poder educar a su hijo desde la distancia, y para hacerle ver que no se olvida de él. Se trata de La celebración, siempre celebraría la llegada de su hijo a casa. Era una injusticia y al único sitio al que se podía agarrar era al arte.

El Perro Globo

 Es una obra feliz, pero al mismo tiempo actúa como caballo de Toya, pues no sabemos lo que puede haber dentro.

Puppy

Todas las limitaciones, los complejos, las dudas se caen al contemplar esta obra hecha de flores.

Él pretendía que El cachorro funcionara como una iglesia.

No obstante, después de contemplar la grandiosidad de las obras de Koons, me pregunto algo ¿ Es realmente la obra de Koons?, puesto que se trata de piezas a gran escala que requieren del trabajo de cientos de personas a su disposición, entonces, él se limita a mandar, y finalmente tiene su obra sin haberse manchado las manos.

Cuenta con un gran equipo que hacen real las obras del artista, cierto es que la idea sí que proviene de él, pero sin embargo, la idea si se queda ahí no vale para nada, es obra, entonces, ¿ Sería realmente una obra propia si él mismo también la ejecutara?

No sé dónde está el grado o la línea que delimita justamente esto, como ya digo, sin idea no hay obra, pero sin que alguien haga la obra no vale para nada la idea.

JEFF KOONS / MARKUS LÜPERZ

Después de visualizar ambos videos sobre cada artista, puedo compararlos obteniendo dos personalidades totalmente radicales.

El primero no hace la obra, sino que trabaja en digital y manda a hacerlas a su equipo de trabajo. Aquí aparece la ausencia de la mano del autor.

Koons mete en su trabajo lo cotidiano, metiéndose en su cotidianidad.

Por el contrario, Lüperz tenía un apego con la técnica tradicional.

En él sí está la mano del autor, veíamos en el vídeo como se desesperaba mientras producía su obra.

ÉL busca forma puras abstractas.

Finalmente, ambos artistas están dotados de una señal muy personal, y al fin y al cabo, eso es lo que cuenta.